Grazie a Technogym, che per la prima volta partecipa alla produzione di un'opera lirica, gli artefici del Viaggio a Reims si tengono in forma!
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venerdì 20 gennaio 2012
mercoledì 18 gennaio 2012
sabato 14 gennaio 2012
Il Maggio in viaggio verso Reims
Il viaggio a Reims: un unicum all’interno della produzione rossiniana, intriso di elementi buffi e semiseri, quasi una parodia del melodramma per una circostanza aulica (l’incoronazione del Re di Francia Carlo X), un’opera o meglio una cantata scenica per un’occasione solenne, composta nel 1824, e poi ritirata dal repertorio dallo stesso autore dopo appena quattro recite - da giugno a settembre del 1825 - sono ingredienti che hanno contribuito a creare un’aura di mistero attorno alla composizione; la storia, breve, di quest’opera è stata oggetto nel ‘900 di numerosi studi ed indagini cariche di suspense che hanno affascinato filologi, spettatori, esecutori, registi, musicologi e direttori. Il viaggio a Reims infatti scomparve dalle scene proprio nel 1825 senza lasciare traccia, fino a quando, a metà degli anni ’70, Philip Gossett e Janet Johnson iniziarono le ricerche per ricostruire una partitura scomparsa. Dai manoscritti e dalla ricostruzione filologica si arrivò alla prima storica messa in scena in età moderna, quella pesarese nell’agosto 1984, sotto la guida di Claudio Abbado e la regia di Luca Ronconi, con un cast d’eccezione, che avrebbe potuto compiacere lo stesso Rossini, che per la sua prima messa in scena convocò le voci più celebri dell’epoca, come Giuditta Pasta, Laura Cinti-Damoreau, Ester Mombelli, Domenico Donzelli, Marco Bordogni, Carlo Zucchelli, Felice Pellegrini e Nicholas-Prosper Levasseur, tutti membri fidati del Théâtre Italien, molti dei quali avrebbero seguito Rossini all’Opéra nel 1826.
L’incalzante e leggero ritmo rossiniano, l’attualità della musica, l’ironia pungente, tipicamente ascrivibile al genio di Rossini, rendono il titolo un capolavoro imperdibile, dalle numerose melodie facilmente orecchiabili, riconoscibili nei numerosi virtuosismi canori, arie e concertati (da non perdere ad esempio il Gran Pezzo Concertato a 14 voci), segmenti che poi Rossini riutilizzò in altre opere (una fra tutte Le Comte Ory).
Una carrellata di caricature europee, di accenti e onomatopee caratterizzano i personaggi di questo dramma giocoso in un atto, e rendendo l’umorismo che ne deriva attuale e contemporaneo, e a questo contribuiscono i siparietti sentimentali, i vezzi, i corteggiamenti, le piccole traversie comiche dei villeggianti a Plombières, tutti provenienti da paesi europei diversi, un’opera dunque che anticipa il cosmopolitismo moderno e parla già d’Europa.
Vent’anni dopo la prima esecuzione in tempi moderni, Il viaggio a Reims venne rappresentato a Firenze, al Giardino di Boboli, Teatro della Meridiana, nel luglio 2004, con un giovane direttore, Nir Kabaretti ed elementi scenici e regia di Emilio Sagi, in collaborazione con Maggio Fiorentino Formazione e l’Orchestra del Maggio Musicale Fiorentino.
Ad inaugurare la stagione 2012 è una nuova produzione del Teatro del Maggio Musicale Fiorentino, la prima al Teatro Comunale, per la regia di Marco Gandini, le scene di Italo Grassi, i costumi di Maurizio Millenotti, le luci di Marco Filibeck; l’Orchestra ed il Coro del Maggio Musicale Fiorentino sono guidati dal giovane Daniele Rustioni, ed affiancati da due cast, che si alterneranno per 5 recite, dal 18 al 24 gennaio.
Il titolo è raramente messo in scena per il cast richiesto (dieci sono i protagonisti principali) ed il virtuosismo necessario alla resa dei personaggi, un’occasione in più per non perdere questa produzione.
Due le novità da quest’anno: la recita di sabato, anticipata alle ore 18.00 e l’introduzione di una guida all’ascolto, che precede la recita matinée della domenica (guida all’ascolto al Piccolo Teatro alle ore 14.45).
Si ricorda che la recita del 18 gennaio verrà trasmessa in diretta radiofonica da RAI Radio 3.
La trasmissione L’ora del Maggio di lunedì 16 gennaio 2012, ore 15.40 su Rete Toscana Classica sarà interamente dedicata al Viaggio a Reims.
Si ringrazia Techogym, Partner Tecnico
L’incalzante e leggero ritmo rossiniano, l’attualità della musica, l’ironia pungente, tipicamente ascrivibile al genio di Rossini, rendono il titolo un capolavoro imperdibile, dalle numerose melodie facilmente orecchiabili, riconoscibili nei numerosi virtuosismi canori, arie e concertati (da non perdere ad esempio il Gran Pezzo Concertato a 14 voci), segmenti che poi Rossini riutilizzò in altre opere (una fra tutte Le Comte Ory).
Una carrellata di caricature europee, di accenti e onomatopee caratterizzano i personaggi di questo dramma giocoso in un atto, e rendendo l’umorismo che ne deriva attuale e contemporaneo, e a questo contribuiscono i siparietti sentimentali, i vezzi, i corteggiamenti, le piccole traversie comiche dei villeggianti a Plombières, tutti provenienti da paesi europei diversi, un’opera dunque che anticipa il cosmopolitismo moderno e parla già d’Europa.
Vent’anni dopo la prima esecuzione in tempi moderni, Il viaggio a Reims venne rappresentato a Firenze, al Giardino di Boboli, Teatro della Meridiana, nel luglio 2004, con un giovane direttore, Nir Kabaretti ed elementi scenici e regia di Emilio Sagi, in collaborazione con Maggio Fiorentino Formazione e l’Orchestra del Maggio Musicale Fiorentino.
Ad inaugurare la stagione 2012 è una nuova produzione del Teatro del Maggio Musicale Fiorentino, la prima al Teatro Comunale, per la regia di Marco Gandini, le scene di Italo Grassi, i costumi di Maurizio Millenotti, le luci di Marco Filibeck; l’Orchestra ed il Coro del Maggio Musicale Fiorentino sono guidati dal giovane Daniele Rustioni, ed affiancati da due cast, che si alterneranno per 5 recite, dal 18 al 24 gennaio.
Il titolo è raramente messo in scena per il cast richiesto (dieci sono i protagonisti principali) ed il virtuosismo necessario alla resa dei personaggi, un’occasione in più per non perdere questa produzione.
Due le novità da quest’anno: la recita di sabato, anticipata alle ore 18.00 e l’introduzione di una guida all’ascolto, che precede la recita matinée della domenica (guida all’ascolto al Piccolo Teatro alle ore 14.45).
Si ricorda che la recita del 18 gennaio verrà trasmessa in diretta radiofonica da RAI Radio 3.
La trasmissione L’ora del Maggio di lunedì 16 gennaio 2012, ore 15.40 su Rete Toscana Classica sarà interamente dedicata al Viaggio a Reims.
Si ringrazia Techogym, Partner Tecnico
GIOACHINO ROSSINI
IL VIAGGIO A REIMS ossia L’ALBERGO DEL GIGLIO D’ORO
Dramma giocoso in un atto
Libretto di Luigi Balocchi
Edizione critica della Fondazione Rossini di Pesaro,
in collaborazione con Universal Music Publishing Ricordi s.r.l., Milano
a cura di Janet Johnson
Direttore Daniele Rustioni
Regia Marco Gandini
Scene Italo Grassi
Costumi Maurizio Millenotti
Luci Marco Filibeck
Maestro del Coro Piero Monti
Direttore dell’allestimento Italo Grassi
Orchestra e Coro del Maggio Musicale Fiorentino
Nuova produzione del Teatro del Maggio Musicale Fiorentino
Con sopratitoli a cura di Prescott Studio, Firenze
Corinna Auxiliadora Toledano | Ruth Rosique (21, 24)
La Marchesa Melibea Marianna Pizzolato | Oana Andra (21, 24)
La Contessa di Folleville Leah Partridge | Rocio Ignacio (21, 24)
Madama Cortese Eva Mei | Donata D’Annunzio Lombardi (21, 24)
Il Cavalier Belfiore Yijie Shi | Enea Scala (21, 24)
Il Conte di Libenskof Lawrence Brownlee | Michele Angelini (21, 24)
Lord Sidney Michele Pertusi | Mirco Palazzi (20, 21)
Don Profondo Bruno de Simone | Marco Camastra (21, 24)
Il Barone di Trombonok Bruno Praticò | Andrea Porta (21, 24)
Don Alvaro Vincenzo Taormina | Domenico Balzani (21, 24)
Don Prudenzio Gabriele Ribis
Don Luigino Enrico Cossutta
Maddalena Annunziata Vestri
Modestina Silvia Mazzoni
Zefirino Mario Bolognesi
Antonio Giovanni Bellavia
Gelsomino Saverio Bambi
TEATRO COMUNALE
Corso Italia, 16 – 50123 Firenze
Mercoledì 18 gennaio 2012, ore 20.30
Venerdì 20 gennaio, ore 20.30
Sabato 21 gennaio, ore 18.00
Domenica 22 gennaio, ore 15.30
Martedì 24 gennaio, ore 20.30
Guida all’ascolto | Piccolo Teatro, domenica 22 gennaio, ore 14.45
Per ulteriori informazioni e biglietti:
Biglietti da € 30 a €100
Info e Prenotazioni: Biglietteria del Teatro del Maggio Musicale Fiorentino
info 055 2779350, dal martedì al venerdì 10.00-16.30;
Biglietteria Teatro Comunale, Corso Italia 16 - Firenze - fax: +39 055 287222;
Biglietteria on line, www.maggiofiorentino.com ; tickets@maggiofiorentino.com
mercoledì 23 novembre 2011
Amori, lacrime ed emozioni nella "Bohème"
Ritorna al Teatro del Maggio dal 25 novembre al 3 dicembre nel fortunato allestimento di Mario Pontiggia, il capolavoro senza tempo di Giacomo Puccini: La bohème, dramma ispirato al romanzo francese di metà ottocento Scènes de la vie de bohème (1845 - 1847) di Henri Murger, e ambientato a Parigi nel 1830, all’epoca del re Luigi Filippo. Un’opera molto amata a Firenze, giunta alla ventisettesima edizione dal lontano maggio 1929, quando per la prima volta venne rappresentata al Teatro Comunale.
Larmoyant il melodramma di Puccini, proprio come la fonte, anche se romanzo e libretto (ad opera di Giuseppe Giacosa e Luigi Illica) non corrono sempre di pari passo e alla fine le pagine di Murger si rivelano più un’ispirazione che una fonte seguita fedelmente nei dettagli: più cinico il romanzo, più romantico e struggente l’esito musicale; più ricco di personaggi (dallo zio Monetti a Sidonia, attrice al Teatro del Lussemburgo, alla cugina Angiolina, da Giacomo a Francine) e di episodi, spalmati in 23 capitoli, lo scritto di Murger; più concisi ed essenziali nella narrazione i quattro atti dell’opera. Lucilla nel romanzo è Mimì, la Lucia di Giacosa ed Illica. Se la caratterizzazione dei personaggi è in alcuni punti identica, nel romanzo e nel libretto, e se alcune analogie sono innegabili, Mimì, protagonista principale, nell’opera è invece la sintesi di donne diverse, il risultato di una chiara fusione fra Mimì e Francine, entrambe in rilievo nel romanzo. Nel libretto non hanno trovato posto le fidanzate di Colline e Schaunard, e altri personaggi maschili, come Barbemuche, lo zio Monetti, il rigattiere ebreo Medici e diversi padroni di casa (lo spettatore vede in scena solo il simpatico cammeo di Benoît). Tuttavia ogni nota di Puccini dipinge in maniera efficace ed indelebile ogni sfaccettatura dell’animo umano e tutte le emozioni dei protagonisti, giovani amanti dallo spirito eroico, dai 18 ai 25 anni.
Si tratta di un’opera di grandissima attualità, assolutamente imperdibile, sia per chi ne sia già appassionato, sia per chi invece desideri scoprirla e vederla per la prima volta. Una storia sempre giovane e dedicata ai giovani, ai loro amori impossibili, alla voglia di emancipazione, al desiderio di affermarsi, all’arte e ad uno sguardo sulla vita pieno di romanticismo e grandi ideali.
Carlo Montanaro dirige l’Orchestra e il Coro del Maggio Musicale Fiorentino ed un cast di altissimo livello: Aquiles Machado e Lorenzo Decaro nei panni di Rodolfo, Simone Del Savio è Schaunard, Carmela Remigio e Yolanda Auyanet si alterneranno nel ruolo di Mimì, Stefano Antonucci e Devid Cecconi nelle vesti del pittore Marcello, Marco Vinco ed Enrico Iori in Colline, Andrea Cortese nella duplice veste di Benoît e Alcindoro, Alessandra Marianelli e Rocio Ignacio nella sensuale Musetta.
Larmoyant il melodramma di Puccini, proprio come la fonte, anche se romanzo e libretto (ad opera di Giuseppe Giacosa e Luigi Illica) non corrono sempre di pari passo e alla fine le pagine di Murger si rivelano più un’ispirazione che una fonte seguita fedelmente nei dettagli: più cinico il romanzo, più romantico e struggente l’esito musicale; più ricco di personaggi (dallo zio Monetti a Sidonia, attrice al Teatro del Lussemburgo, alla cugina Angiolina, da Giacomo a Francine) e di episodi, spalmati in 23 capitoli, lo scritto di Murger; più concisi ed essenziali nella narrazione i quattro atti dell’opera. Lucilla nel romanzo è Mimì, la Lucia di Giacosa ed Illica. Se la caratterizzazione dei personaggi è in alcuni punti identica, nel romanzo e nel libretto, e se alcune analogie sono innegabili, Mimì, protagonista principale, nell’opera è invece la sintesi di donne diverse, il risultato di una chiara fusione fra Mimì e Francine, entrambe in rilievo nel romanzo. Nel libretto non hanno trovato posto le fidanzate di Colline e Schaunard, e altri personaggi maschili, come Barbemuche, lo zio Monetti, il rigattiere ebreo Medici e diversi padroni di casa (lo spettatore vede in scena solo il simpatico cammeo di Benoît). Tuttavia ogni nota di Puccini dipinge in maniera efficace ed indelebile ogni sfaccettatura dell’animo umano e tutte le emozioni dei protagonisti, giovani amanti dallo spirito eroico, dai 18 ai 25 anni.
Si tratta di un’opera di grandissima attualità, assolutamente imperdibile, sia per chi ne sia già appassionato, sia per chi invece desideri scoprirla e vederla per la prima volta. Una storia sempre giovane e dedicata ai giovani, ai loro amori impossibili, alla voglia di emancipazione, al desiderio di affermarsi, all’arte e ad uno sguardo sulla vita pieno di romanticismo e grandi ideali.
Carlo Montanaro dirige l’Orchestra e il Coro del Maggio Musicale Fiorentino ed un cast di altissimo livello: Aquiles Machado e Lorenzo Decaro nei panni di Rodolfo, Simone Del Savio è Schaunard, Carmela Remigio e Yolanda Auyanet si alterneranno nel ruolo di Mimì, Stefano Antonucci e Devid Cecconi nelle vesti del pittore Marcello, Marco Vinco ed Enrico Iori in Colline, Andrea Cortese nella duplice veste di Benoît e Alcindoro, Alessandra Marianelli e Rocio Ignacio nella sensuale Musetta.
lunedì 21 novembre 2011
"La bohème" e "Il barbiere di Siviglia": due presentazioni al Piccolo Teatro del Comunale
Doppio appuntamento per gli Incontri con il pubblico della Stagione 2011. Martedì 22 novembre, alle ore 21.00 al Piccolo Teatro, Firenze Lirica presenta La bohème con una conversazione-concerto a cura di Cesare Orselli dal titolo Le due Bohème, un interessante confronto tra il capolavoro di Puccini e l'opera, assai meno nota, di Leoncavallo. Partecipano alla serata i soprani Silvana Froli e Sarah Chirici, il tenore Marco Frusoni, il baritono Pedro Carrillo, il basso Diego Colli e un veterano della scena lirica come il basso-baritono Franco Boscolo, apprezzato interprete dei ruoli di carattere. Al pianoforte Beatrice Bartoli.
Giovedì 24 novembre, sempre alle ore 21.00 al Piccolo Teatro, Il Foyer presenta Il barbiere di Siviglia con una conversazione-concerto a cura di Vincenzo R. Bisogni dal titolo Convergenze parallele: un solo Figaro e tanti compositori, musiche di Paisiello, Morlacchi, Mozart e Rossini: tutti musicisti che si sono ispirati all'esuberante figura del barbiere creato da Beaumarchais. Cantano il mezzosoprano Teresa Iervolino e il baritono Biagio Pizzuti accompagnati al pianoforte da Elisabetta Sepe, voce recitante Anna Maria Sanetti.L'ingresso ad entrambi gli incontri è libero fino ad esaurimento dei posti disponibili.
venerdì 18 novembre 2011
Il barbiere rossiniano in bottega
La bottega del barbiere è la prima produzione destinata alle scuole per l’anno accademico 2011/2012, in programma al Maggio Musicale Fiorentino, in collaborazione con Venti Lucenti, ancora alle prese con la riduzione, un po’ rivoluzione, di un capolavoro del teatro lirico, Il barbiere di Siviglia di Gioachino Rossini titolo che, a distanza di pochi giorni, appare nel cartellone ‘serio’ del Teatro Comunale, 29 novembre - 6 dicembre 2011.
Due produzioni dunque, quella per i ragazzi e quella per gli adulti, incatenate, l’una di seguito all’altra, senza soluzione di continuità, secondo una staffetta che in modo analogo regolerà altre attività didattiche nei prossimi mesi, legate al calendario ufficiale del Maggio Musicale Fiorentino.
Una bottega, una strana, suggestiva bottega di barbiere; un barbiere, Figaro, imbroglione e stravagante; bizzarre trasformazioni e inganni per una fiaba, che narra di un vecchio tutore -astuto e diabolicamente deciso a tutto, pur di sposare la sua pupilla ed intascarne la dote- viene travolto dagli stratagemmi rocamboleschi, dettati dall’amore del Conte d’Almaviva e dall’astuzia di Figaro.
“La più bella opera buffa che esista”, la definì Giuseppe Verdi, un titolo che deve la sua notorietà a strepitosi momenti, divenuti celebri, caratterizzati da sagacia, ironia, brio e virtuosismo canoro e compositivo.
L’opera ha un ritmo teatrale travolgente affidato a caratteri, trovate, suggestioni, che mai si fermano, ed è dotata di un intrigante intreccio drammaturgico, che viene sviluppato anche attraverso l’utilizzo di attori che illustrano e raccontano la vicenda attraverso accelerazioni narrative, necessarie per ridurre i tempi dell’opera: la messa in scena dei momenti salienti della storia, cantati da professionisti, vede dunque l’innesto di scene narrate e recitate per rendere ancora più coinvolgente la partecipazione del pubblico.
In un clima tipico dell’ intrigo borghese (lui ama lei, promessa ad un altro) i personaggi sono caratterizzati come vere e proprie figure della commedia dell’arte, o meglio come meccanismi di un orologio comico che sta sempre per esplodere e inseriscono nello spettacolo, alla maniera del “teatro all’improvviso”, il guizzo, la trovata repentina e funambolica, l’ironia e la crudeltà, le allusioni e la schiettezza e la magia che acuiscono i nostri sensi e li rendono attenti e disponibili a partecipare alla messa in scena di un’opera lirica, all’ascolto della prodigiosa musica di Rossini.
Due produzioni dunque, quella per i ragazzi e quella per gli adulti, incatenate, l’una di seguito all’altra, senza soluzione di continuità, secondo una staffetta che in modo analogo regolerà altre attività didattiche nei prossimi mesi, legate al calendario ufficiale del Maggio Musicale Fiorentino.
Una bottega, una strana, suggestiva bottega di barbiere; un barbiere, Figaro, imbroglione e stravagante; bizzarre trasformazioni e inganni per una fiaba, che narra di un vecchio tutore -astuto e diabolicamente deciso a tutto, pur di sposare la sua pupilla ed intascarne la dote- viene travolto dagli stratagemmi rocamboleschi, dettati dall’amore del Conte d’Almaviva e dall’astuzia di Figaro.
“La più bella opera buffa che esista”, la definì Giuseppe Verdi, un titolo che deve la sua notorietà a strepitosi momenti, divenuti celebri, caratterizzati da sagacia, ironia, brio e virtuosismo canoro e compositivo.
L’opera ha un ritmo teatrale travolgente affidato a caratteri, trovate, suggestioni, che mai si fermano, ed è dotata di un intrigante intreccio drammaturgico, che viene sviluppato anche attraverso l’utilizzo di attori che illustrano e raccontano la vicenda attraverso accelerazioni narrative, necessarie per ridurre i tempi dell’opera: la messa in scena dei momenti salienti della storia, cantati da professionisti, vede dunque l’innesto di scene narrate e recitate per rendere ancora più coinvolgente la partecipazione del pubblico.
In un clima tipico dell’ intrigo borghese (lui ama lei, promessa ad un altro) i personaggi sono caratterizzati come vere e proprie figure della commedia dell’arte, o meglio come meccanismi di un orologio comico che sta sempre per esplodere e inseriscono nello spettacolo, alla maniera del “teatro all’improvviso”, il guizzo, la trovata repentina e funambolica, l’ironia e la crudeltà, le allusioni e la schiettezza e la magia che acuiscono i nostri sensi e li rendono attenti e disponibili a partecipare alla messa in scena di un’opera lirica, all’ascolto della prodigiosa musica di Rossini.
PROGETTO: Daniele Bacci
REGIA E SCRITTURA SCENICA: Manu Lalli
ELABORAZIONE MUSICALE, DIREZIONE E PIANOFORTE: M° Claudia Gori
CANTANTI: Giorgio Gatti, Alvaro Lozzano, Eva Mabellini, Francesco Marsiglia
ATTORI: Michele Monasta, Niccolò Franchi, Costanza Degani, Cecilia Russo
NOVEMBRE 2011
VENERDÌ 18 ore 10:00 - ore 21:00
SABATO 19 ore 21:00
DOMENICA 20 ore 16:30
MARTEDÌ 22 ore 10:00 – ore 14.30
MERCOLEDÌ 23 ore 10:00
GIOVEDÌ 24 ore 10:00
Teatro Goldoni, Firenze
Stagione 2011/2012 “Il Maggio per la Scuola”
INFO
Associazione Venti Lucenti 055 2320593
PREVENDITA
Per ulteriori informazioni:
Info e Prenotazioni: Biglietteria del Teatro del Maggio Musicale Fiorentino
info 055 2779350, dal martedì al venerdì 10.00-16.30;
prevendita 055 28722, da martedì a venerdì 10.00 -16.30 / sabato 9.00-13.00;
Biglietteria Teatro Comunale, Corso Italia 16 - Firenze - fax: +39 055 287222;
Biglietteria on line, www.maggiofiorentino.com; tickets@maggiofiorentino.com
sabato 22 ottobre 2011
Mehta-Friedkin per "L'affare Makropulos"
Dal 25 ottobre al 2 novembre torna al Teatro del Maggio L'affare Makropulos di Leóš Janáček, una delle opere più intriganti della storia del melodramma. Ma chi è Emilia Marty? alias Elina Makropulos? alias Ellian MacGregor? o ancora Eugenia Montez? Oppure Elsa Müller ed ancora Ekaterina Myškin?
Con un geniale coup de théâtre la protagonista dell'opera - cantante lirica di fama leggendaria -, svela alla fine dell’opera di non essere altri che la figlia di Ieronimo Makropulos, medico greco alla corte dell’Imperatore Rodolfo II, nata nel 1585, ed arrivata al 1922 (anno in cui è ambientato il dramma), all’età di 337 anni, grazie ad una pozione alchemica commissionata al padre dallo stesso imperatore.
Il mistero delle sue molteplici identità viene svelato dopo una lunga serie di indizi disseminati in un libretto serrato ed avvincente, che trae ispirazione dall’omonima commedia del 1922 di Karel Čapek: l’indizio più importante sono le iniziali EM sulle valigie… ed ancora calligrafie che combaciano, somiglianze fra donne vissute in nazioni diverse…
Si tratta di un mistery, un thriller psicologico, un ‘giallo’ – o noir che dir si voglia – pieno di cinismo, erotismo, alchimia, storia, continui coups de théâtre (fra cui due suicidi), che così incastonati rendono la trama e l’opera un unicum nella storia del melodramma.
Firenze fu la prima città italiana a mettere in scena l’allora chiamato Caso Makropulos (oggi Affare Makropulos) nel 1966, in anni in cui proprio a Firenze si potè assistere alla scoperta italiana di Leóš Janáček (1854 - 1928), con i capolavori del compositore boemo, rappresentati per la prima volta in Italia in occasione del Festival del Maggio Musicale Fiorentino:
1957, 20° Maggio Musicale Fiorentino, Kát’a Kabanová, cantata in lingua jugoslava;
1960, 23° Maggio Musicale Fiorentino, Jenůfa, cantata in tedesco;
1966, 29° Maggio Musicale Fiorentino, Il caso Makropulos, in lingua originale;
1967, 30° Maggio Musicale Fiorentino, Le avventure del Signor Brouček in lingua originale.
Si tratta di una prima volta per il Direttore Principale Zubin Mehta, che ha già eseguito più volte la Sinfonietta (composta da Janáček nel 1926, stesso anno de L’affare Makropulos), ma ancora non si era accostato alle nove opere liriche del compositore ceco.
La produzione vede il ritorno a Firenze di William Friedkin (dopo il Wozzeck di Berg nel 1998), reduce il mese scorso dal red carpet del Festival del Cinema di Venezia con Killer Joe. Friedkin, noto per numerosi film di carattere poliziesco e horror, ha scelto per questo titolo una regia essenziale e atemporale, capace però di enfatizzare la suspense e di rendere la storia ancora più travolgente. Accanto a lui Michael Curry, celebre visual e concept designer del Cirque du Soleil e della Universal Pictures oltre che di molti titoli prodotti dalla Disney Theatrical Productions.
I costumi sono di Andrea Schmidt-Futterer, che sta firmando sempre con William Friedkin i costumi per Les contes d’Hoffmann presto in scena allo Staatsoper di Vienna. Le luci sono del celebre light designer inglese Mark Jonathan.
Nel cast di fama internazionale spicca Angela Denoke nel ruolo principale, già applaudita nel medesimo titolo nell’edizione scaligera del 2009.
Si ringrazia il Comitato MaggiodiVino per il contributo raccolto in occasione del week-end al Maggio e Ballo in onore del Maestro Zubin Mehta, e destinato alla realizzazione de L’affare Makropulos. I proventi dell’evento “week-end al Maggio Musicale Fiorentino e Ballo in onore del Maestro Zubin Mehta” ammontano a € 90.000.
Prosegue al Teatro del Maggio Musicale Fiorentino la sperimentazione della nuova tecnologia per la titolazione sui dispositivi mobili OperaVoice®. Dopo il debutto durante l'Estate Fiorentina con Il cappello di paglia di Firenze il lavoro di OperaVoice e Prescott Studio si cimenta con L’affare Makropulos, primo titolo della ripresa autunnale. Le cose si complicano ma diventano appassionanti: saranno disponibili le traduzioni italiana e inglese, oltre al testo originale in lingua ceca (per i rappresentanti dell'Ambasciata ceca ospiti del Teatro speriamo sia certo una gradita sorpresa).
Per tutto il pubblico, non solo per chi si connetterà a OperaVoice, ci sarà la novità con lo schermo sopra la scena in doppia lingua: il Teatro del Maggio Musicale Fiorentino ha commissionato l'estensione alla lingua inglese, che leggeremo in italic sotto il testo italiano, ad opera di Prescott Studio.
Il servizio si arricchisce poi di un piccolo numero di tablet che dal banco assistenza verrà prestato a chi del pubblico voglia provare la titolazione su questi dispostivi. Sono tablet di diversi sistemi operativi, soprattutto Apple e Google Android, sul cui Market è stata rilasciata proprio mercoledì la nuova app.
Dunque venite a Teatro, restate connessi a Maggio OperaVoice con il vostro smartphone o tablet!
Il Maggio Musicale Fiorentino ribadisce in questo modo un primato, in ambito europeo, per la sperimentazione e la tecnologia, sempre all’avanguardia!
Con un geniale coup de théâtre la protagonista dell'opera - cantante lirica di fama leggendaria -, svela alla fine dell’opera di non essere altri che la figlia di Ieronimo Makropulos, medico greco alla corte dell’Imperatore Rodolfo II, nata nel 1585, ed arrivata al 1922 (anno in cui è ambientato il dramma), all’età di 337 anni, grazie ad una pozione alchemica commissionata al padre dallo stesso imperatore.
Il mistero delle sue molteplici identità viene svelato dopo una lunga serie di indizi disseminati in un libretto serrato ed avvincente, che trae ispirazione dall’omonima commedia del 1922 di Karel Čapek: l’indizio più importante sono le iniziali EM sulle valigie… ed ancora calligrafie che combaciano, somiglianze fra donne vissute in nazioni diverse…
Si tratta di un mistery, un thriller psicologico, un ‘giallo’ – o noir che dir si voglia – pieno di cinismo, erotismo, alchimia, storia, continui coups de théâtre (fra cui due suicidi), che così incastonati rendono la trama e l’opera un unicum nella storia del melodramma.
Firenze fu la prima città italiana a mettere in scena l’allora chiamato Caso Makropulos (oggi Affare Makropulos) nel 1966, in anni in cui proprio a Firenze si potè assistere alla scoperta italiana di Leóš Janáček (1854 - 1928), con i capolavori del compositore boemo, rappresentati per la prima volta in Italia in occasione del Festival del Maggio Musicale Fiorentino:
1957, 20° Maggio Musicale Fiorentino, Kát’a Kabanová, cantata in lingua jugoslava;
1960, 23° Maggio Musicale Fiorentino, Jenůfa, cantata in tedesco;
1966, 29° Maggio Musicale Fiorentino, Il caso Makropulos, in lingua originale;
1967, 30° Maggio Musicale Fiorentino, Le avventure del Signor Brouček in lingua originale.
Si tratta di una prima volta per il Direttore Principale Zubin Mehta, che ha già eseguito più volte la Sinfonietta (composta da Janáček nel 1926, stesso anno de L’affare Makropulos), ma ancora non si era accostato alle nove opere liriche del compositore ceco.
La produzione vede il ritorno a Firenze di William Friedkin (dopo il Wozzeck di Berg nel 1998), reduce il mese scorso dal red carpet del Festival del Cinema di Venezia con Killer Joe. Friedkin, noto per numerosi film di carattere poliziesco e horror, ha scelto per questo titolo una regia essenziale e atemporale, capace però di enfatizzare la suspense e di rendere la storia ancora più travolgente. Accanto a lui Michael Curry, celebre visual e concept designer del Cirque du Soleil e della Universal Pictures oltre che di molti titoli prodotti dalla Disney Theatrical Productions.
I costumi sono di Andrea Schmidt-Futterer, che sta firmando sempre con William Friedkin i costumi per Les contes d’Hoffmann presto in scena allo Staatsoper di Vienna. Le luci sono del celebre light designer inglese Mark Jonathan.
Nel cast di fama internazionale spicca Angela Denoke nel ruolo principale, già applaudita nel medesimo titolo nell’edizione scaligera del 2009.
Si ringrazia il Comitato MaggiodiVino per il contributo raccolto in occasione del week-end al Maggio e Ballo in onore del Maestro Zubin Mehta, e destinato alla realizzazione de L’affare Makropulos. I proventi dell’evento “week-end al Maggio Musicale Fiorentino e Ballo in onore del Maestro Zubin Mehta” ammontano a € 90.000.
Prosegue al Teatro del Maggio Musicale Fiorentino la sperimentazione della nuova tecnologia per la titolazione sui dispositivi mobili OperaVoice®. Dopo il debutto durante l'Estate Fiorentina con Il cappello di paglia di Firenze il lavoro di OperaVoice e Prescott Studio si cimenta con L’affare Makropulos, primo titolo della ripresa autunnale. Le cose si complicano ma diventano appassionanti: saranno disponibili le traduzioni italiana e inglese, oltre al testo originale in lingua ceca (per i rappresentanti dell'Ambasciata ceca ospiti del Teatro speriamo sia certo una gradita sorpresa).
Per tutto il pubblico, non solo per chi si connetterà a OperaVoice, ci sarà la novità con lo schermo sopra la scena in doppia lingua: il Teatro del Maggio Musicale Fiorentino ha commissionato l'estensione alla lingua inglese, che leggeremo in italic sotto il testo italiano, ad opera di Prescott Studio.
Il servizio si arricchisce poi di un piccolo numero di tablet che dal banco assistenza verrà prestato a chi del pubblico voglia provare la titolazione su questi dispostivi. Sono tablet di diversi sistemi operativi, soprattutto Apple e Google Android, sul cui Market è stata rilasciata proprio mercoledì la nuova app.
Dunque venite a Teatro, restate connessi a Maggio OperaVoice con il vostro smartphone o tablet!
Il Maggio Musicale Fiorentino ribadisce in questo modo un primato, in ambito europeo, per la sperimentazione e la tecnologia, sempre all’avanguardia!
venerdì 8 luglio 2011
Debutta "Il cappello di paglia di Firenze"
Dalla collaborazione tra il Teatro del Maggio Musicale Fiorentino e Maggio Fiorentino Formazione è scaturita l’idea d’allestire un’opera non ancora rappresentata al Teatro Comunale, una ‘prima’ dunque, benché nel titolo - e non solo - sia presente un’esplicita e non casuale citazione territoriale: Il cappello di paglia di Firenze di Nino Rota.
Dal 15 al 20 luglio, all’interno dell’Estate Fiorentina 2011, andrà in scena l’opera forse più celebre dell’autore milanese, di cui proprio quest’anno si celebrano i 100 anni dalla nascita (3 dicembre 1911 – 10 aprile 1979), un anniversario che non poteva passare inosservato; la produzione è nuova, di manifattura fiorentina, non solo perché curata nella regia, nelle scene e nei costumi dai professori e dagli allievi di Maggio Fiorentino Formazione, ma perché i cappelli che appariranno in scena di volta in volta, sui capi dei protagonisti o ad abbellire il palcoscenico, sono il frutto di un’altra importante collaborazione, quella con il Consorzio del cappello di paglia di Firenze, - nella doppia veste di fornitore e di sponsor della produzione - che, per l’occasione, ha allestito un’esposizione di cappelli nel foyer del Teatro Comunale. L’esposizione sarà visibile nei giorni di spettacolo, negli orari d’apertura del teatro.
Alle prime signore che entreranno in teatro, prima dello spettacolo, il Consorzio offrirà un simpatico ed utile cadeau: un ventaglio a forma di cappello.
Dal 15 al 20 luglio, all’interno dell’Estate Fiorentina 2011, andrà in scena l’opera forse più celebre dell’autore milanese, di cui proprio quest’anno si celebrano i 100 anni dalla nascita (3 dicembre 1911 – 10 aprile 1979), un anniversario che non poteva passare inosservato; la produzione è nuova, di manifattura fiorentina, non solo perché curata nella regia, nelle scene e nei costumi dai professori e dagli allievi di Maggio Fiorentino Formazione, ma perché i cappelli che appariranno in scena di volta in volta, sui capi dei protagonisti o ad abbellire il palcoscenico, sono il frutto di un’altra importante collaborazione, quella con il Consorzio del cappello di paglia di Firenze, - nella doppia veste di fornitore e di sponsor della produzione - che, per l’occasione, ha allestito un’esposizione di cappelli nel foyer del Teatro Comunale. L’esposizione sarà visibile nei giorni di spettacolo, negli orari d’apertura del teatro.
Alle prime signore che entreranno in teatro, prima dello spettacolo, il Consorzio offrirà un simpatico ed utile cadeau: un ventaglio a forma di cappello.
Il cappello di paglia di Firenze sarà diretto da Sergio Alapont per la regia di Andrea Cigni con scene e costumi di Lorenzo Cutùli, luci di Luciano Roticiani, Orchestra e Coro del Maggio Musicale Fiorentino.
A rendere ancora più fruibile l’opera, già di per sé godibilissima, ambientata in un’atmosfera leziosa di fine ‘800, e trasposta in un contesto parigino del ventesimo secolo, per la precisione negli anni ’50, sarà un’innovazione tecnologica, che verrà sperimentata per la prima volta in Europa (e forse nel mondo) proprio al Maggio Musicale Fiorentino: la possibilità di avere i sopratitoli sui propri dispositivi mobili.
Venticinque anni fa, esattamente il 1° giugno 1986, il Maggio Musicale Fiorentino, in occasione della messinscena dei Maestri cantori di Norinberga (Die Meistersinger von Nürnberg) di Richard Wagner diretti da Zubin Mehta, testò per la prima volta in Europa un sistema di mediazione linguistica che si ispirava alla consolidata esperienza audiovisiva dei "sottotitoli" (nati col cinema muto), ma che, nell'inedito contesto ambientale dello spettacolo dal vivo, prese forma attraverso la formula tecnica dei "sopratitoli" (nati in Canada tre anni prima, nel 1983). Ora, grazie a Opera Voice e Prescott Studio, partners dell’iniziativa, dal 15 luglio 2011, con Il cappello di paglia di Firenze sarà possibile leggere i sopratitoli su iPad, smartphone e tablet che, debitamente predisposti in modalità aereo, non recheranno disturbo, ma sullo sfondo nero dello schermo renderanno più accessibile il testo del libretto, che apparirà collegando il telefonino o il tablet ad una rete Wi-Fi interna.
Il Maggio è molto orgoglioso d’essere il primo a procedere con questa sperimentazione, sarà poi il pubblico a decretarne la fortuna o a suggerire migliorie al sistema adottato.
L’opera, composta nell’immediato dopoguerra, venne rappresentata dopo quasi dieci anni, il 21 aprile del 1955, fortemente voluta dall’allora Sovrintendente del Teatro Massimo di Palermo, Simone Cuccia.
Il frenetico andirivieni dei quindici personaggi previsti dal libretto in una farsa musicale fresca, divertente ed incalzante, rende il noto compositore un genio novecentesco, al di là delle ben note colonne sonore, che, grazie al sodalizio con Federico Fellini, fecero conoscere la sua musica in tutto il mondo.
Dall’autore delle musiche de Il padrino, La dolce vita, La strada, un’opera lirica diabolicamente contorta, complessa e accattivante, divertente ed esilarante!
A rendere ancora più fruibile l’opera, già di per sé godibilissima, ambientata in un’atmosfera leziosa di fine ‘800, e trasposta in un contesto parigino del ventesimo secolo, per la precisione negli anni ’50, sarà un’innovazione tecnologica, che verrà sperimentata per la prima volta in Europa (e forse nel mondo) proprio al Maggio Musicale Fiorentino: la possibilità di avere i sopratitoli sui propri dispositivi mobili.
Venticinque anni fa, esattamente il 1° giugno 1986, il Maggio Musicale Fiorentino, in occasione della messinscena dei Maestri cantori di Norinberga (Die Meistersinger von Nürnberg) di Richard Wagner diretti da Zubin Mehta, testò per la prima volta in Europa un sistema di mediazione linguistica che si ispirava alla consolidata esperienza audiovisiva dei "sottotitoli" (nati col cinema muto), ma che, nell'inedito contesto ambientale dello spettacolo dal vivo, prese forma attraverso la formula tecnica dei "sopratitoli" (nati in Canada tre anni prima, nel 1983). Ora, grazie a Opera Voice e Prescott Studio, partners dell’iniziativa, dal 15 luglio 2011, con Il cappello di paglia di Firenze sarà possibile leggere i sopratitoli su iPad, smartphone e tablet che, debitamente predisposti in modalità aereo, non recheranno disturbo, ma sullo sfondo nero dello schermo renderanno più accessibile il testo del libretto, che apparirà collegando il telefonino o il tablet ad una rete Wi-Fi interna.
Il Maggio è molto orgoglioso d’essere il primo a procedere con questa sperimentazione, sarà poi il pubblico a decretarne la fortuna o a suggerire migliorie al sistema adottato.
L’opera, composta nell’immediato dopoguerra, venne rappresentata dopo quasi dieci anni, il 21 aprile del 1955, fortemente voluta dall’allora Sovrintendente del Teatro Massimo di Palermo, Simone Cuccia.
Il frenetico andirivieni dei quindici personaggi previsti dal libretto in una farsa musicale fresca, divertente ed incalzante, rende il noto compositore un genio novecentesco, al di là delle ben note colonne sonore, che, grazie al sodalizio con Federico Fellini, fecero conoscere la sua musica in tutto il mondo.
Dall’autore delle musiche de Il padrino, La dolce vita, La strada, un’opera lirica diabolicamente contorta, complessa e accattivante, divertente ed esilarante!
lunedì 20 giugno 2011
Poppea: un perfetto manuale di ars amandi
Fortuna, Virtù e Amore decretano il successo dei loro protetti: Nerone, Poppea, Ottavia, Ottone, Drusilla, Amalta, Lucano, Seneca; tribuni, patrizi e matrone, cortigiani, soldati e dame vissuti quasi duemila anni fa.
Il loro inesorabile destino è predetto fin dal prologo, recitato dalle tre dee; nella chiusa si evince chi governa realmente ogni vicenda ed ambizione umana, nessun’altra che Amore: ‘io le virtudi insegno, io le fortune domo […] ‘l mondo ai cenni miei si muta’.
L’ultimo titolo operistico del 74° Festival del Maggio Musicale Fiorentino, L'incoronazione di Poppea di Claudio Monteverdi, si rivela essere un manuale d’amore perfetto ed ancor più avvincente e rivelatore nella brillante regia di Pier Luigi Pizzi.
I personaggi, già caratterizzati nel libretto, spassoso e più che mai attuale, di Giovan Francesco Busenello e dalla musica di Monteverdi (con verosimili innesti del Sacrati e del Ferrari, a quest’ultimo pare appartenere il celebre e sublime duetto finale fra l’imperatore Nerone e l’astuta Poppea: Pur ti miro pur ti godo), emergono con grandissima vivacità dalla tela variopinta di Pizzi, in un ampissimo ventaglio di relazioni amorose: Ottavia, sposa virtuosa, piange i tradimenti dell’imperatore Nerone, in preda all’irrefrenabile passione per Poppea, abile e sensuale conquistatrice, circondata da numerosi pretendenti, fra cui il giovane Ottone (già amante in passato di Ottavia), che tenterà d’uccidere Poppea dopo essere stato conquistato a sua volta dalla giovane e bella Drusilla (‘Le tempeste del cor tutte tranquilla;/ d’altri Otton non sarà che di Drusilla;/ e pur al mio dispetto, iniquo Amore,/ Drusilla ho in bocca, ed ho Poppea nel core.’); il poeta Lucano, in questa edizione e produzione dell’opera, cede all’amore per Nerone, e a seguire, tutti i personaggi, dalle nutrici ai paggi, dischiudono un fitto ordito di relazioni sentimentali (sia etero che omoerotiche), magistralmente definite con ironia e chiarezza, in un concatenarsi di scene che rendono L'incoronazione di Poppea un manuale d’amore di grandissima attualità.
Lo spettacolo è assolutamente imperdibile!
Ultimi posti disponibili per le recite di lunedì 20 giugno e mercoledì 22 giugno.
Il loro inesorabile destino è predetto fin dal prologo, recitato dalle tre dee; nella chiusa si evince chi governa realmente ogni vicenda ed ambizione umana, nessun’altra che Amore: ‘io le virtudi insegno, io le fortune domo […] ‘l mondo ai cenni miei si muta’.
L’ultimo titolo operistico del 74° Festival del Maggio Musicale Fiorentino, L'incoronazione di Poppea di Claudio Monteverdi, si rivela essere un manuale d’amore perfetto ed ancor più avvincente e rivelatore nella brillante regia di Pier Luigi Pizzi.
I personaggi, già caratterizzati nel libretto, spassoso e più che mai attuale, di Giovan Francesco Busenello e dalla musica di Monteverdi (con verosimili innesti del Sacrati e del Ferrari, a quest’ultimo pare appartenere il celebre e sublime duetto finale fra l’imperatore Nerone e l’astuta Poppea: Pur ti miro pur ti godo), emergono con grandissima vivacità dalla tela variopinta di Pizzi, in un ampissimo ventaglio di relazioni amorose: Ottavia, sposa virtuosa, piange i tradimenti dell’imperatore Nerone, in preda all’irrefrenabile passione per Poppea, abile e sensuale conquistatrice, circondata da numerosi pretendenti, fra cui il giovane Ottone (già amante in passato di Ottavia), che tenterà d’uccidere Poppea dopo essere stato conquistato a sua volta dalla giovane e bella Drusilla (‘Le tempeste del cor tutte tranquilla;/ d’altri Otton non sarà che di Drusilla;/ e pur al mio dispetto, iniquo Amore,/ Drusilla ho in bocca, ed ho Poppea nel core.’); il poeta Lucano, in questa edizione e produzione dell’opera, cede all’amore per Nerone, e a seguire, tutti i personaggi, dalle nutrici ai paggi, dischiudono un fitto ordito di relazioni sentimentali (sia etero che omoerotiche), magistralmente definite con ironia e chiarezza, in un concatenarsi di scene che rendono L'incoronazione di Poppea un manuale d’amore di grandissima attualità.
Lo spettacolo è assolutamente imperdibile!
Ultimi posti disponibili per le recite di lunedì 20 giugno e mercoledì 22 giugno.
venerdì 17 giugno 2011
Speciale video "L'incoronazione di Poppea"
In collaborazione con www.intoscana.it, il portale ufficiale della Toscana
"L'incoronazione di Poppea" con Curtis e Pizzi
Con L'incoronazione di Poppea di Claudio Monteverdi, in scena al Teatro della Pergola il 18, 20 e 22 giugno, giungiamo all'ultimo titolo operistico in cartellone per il 74° Festival del Maggio Musicale Fiorentino.
Si tratta dell’ultimo dramma in musica di Monteverdi, andato in scena per la prima volta a Venezia, nel periodo di Carnevale del 1643, al Teatro Grimani, altresì noto come SS. Giovanni e Paolo, pochi mesi prima della morte del compositore, avvenuta nel novembre dello stesso anno (15 maggio 1567 – 29 novembre 1643).
Il dramma è innovativo per il soggetto storico che affronta: il passaggio da una trama mitologica, che caratterizzava i primi ‘recitar cantando’, ad una vicenda ispirata ad avvenimenti reali, venne percepito come un vero coup de théâtre.
Giovanni Francesco Busenello (1598 – 1659), colto drammaturgo ed esperto uomo di teatro, ne scrisse il libretto, traendo ispirazione dagli Annales di Tacito, Le Vite dei Cesari di Svetonio e probabilmente dall’Ottavia di pseudo-Seneca.
Si tratta di un dramma in musica che riscosse un notevole successo nella Venezia dei primi teatri pubblici a pagamento (novità assoluta che decreta una rivoluzione nel modo di concepire e fruire gli spettacoli): nella Serenissima Repubblica di Venezia di metà Seicento, in un periodo di grandissimo fermento, che portò a maturazione il neo-nato genere del melodramma e forgiò una nuova concezione dello spettacolo musicale e teatrale, non più considerato appannaggio esclusivo delle corti. L’incoronazione di Poppea costituisce così una delle pietre miliari nella storia dell’opera lirica italiana. Il genere operistico si emancipava e si evolveva a Venezia, dopo essere nato a Firenze, con la Camerata de’ Bardi, a cavallo tra il ‘500 ed il ‘600.
A mettere in scena l’ultimo capolavoro di Monteverdi, due veneziani d’adozione: Pier Luigi Pizzi che con questa mise-en-scène porta a termine il cosiddetto trittico monteverdiano (Orfeo del 1607, Il ritorno d’Ulisse in patria del 1639-40, L’incoronazione di Poppea del 1643), allestito al Teatro Real di Madrid; Alan Curtis che in quest’occasione propone per la prima volta a Firenze una nuova lettura musicale del dramma, rivelando un diverso modus operandi, rispetto a quello adottato nella sua edizione critica del 1989.
Si tratta dell’ultimo dramma in musica di Monteverdi, andato in scena per la prima volta a Venezia, nel periodo di Carnevale del 1643, al Teatro Grimani, altresì noto come SS. Giovanni e Paolo, pochi mesi prima della morte del compositore, avvenuta nel novembre dello stesso anno (15 maggio 1567 – 29 novembre 1643).
Il dramma è innovativo per il soggetto storico che affronta: il passaggio da una trama mitologica, che caratterizzava i primi ‘recitar cantando’, ad una vicenda ispirata ad avvenimenti reali, venne percepito come un vero coup de théâtre.
Giovanni Francesco Busenello (1598 – 1659), colto drammaturgo ed esperto uomo di teatro, ne scrisse il libretto, traendo ispirazione dagli Annales di Tacito, Le Vite dei Cesari di Svetonio e probabilmente dall’Ottavia di pseudo-Seneca.
Si tratta di un dramma in musica che riscosse un notevole successo nella Venezia dei primi teatri pubblici a pagamento (novità assoluta che decreta una rivoluzione nel modo di concepire e fruire gli spettacoli): nella Serenissima Repubblica di Venezia di metà Seicento, in un periodo di grandissimo fermento, che portò a maturazione il neo-nato genere del melodramma e forgiò una nuova concezione dello spettacolo musicale e teatrale, non più considerato appannaggio esclusivo delle corti. L’incoronazione di Poppea costituisce così una delle pietre miliari nella storia dell’opera lirica italiana. Il genere operistico si emancipava e si evolveva a Venezia, dopo essere nato a Firenze, con la Camerata de’ Bardi, a cavallo tra il ‘500 ed il ‘600.
A mettere in scena l’ultimo capolavoro di Monteverdi, due veneziani d’adozione: Pier Luigi Pizzi che con questa mise-en-scène porta a termine il cosiddetto trittico monteverdiano (Orfeo del 1607, Il ritorno d’Ulisse in patria del 1639-40, L’incoronazione di Poppea del 1643), allestito al Teatro Real di Madrid; Alan Curtis che in quest’occasione propone per la prima volta a Firenze una nuova lettura musicale del dramma, rivelando un diverso modus operandi, rispetto a quello adottato nella sua edizione critica del 1989.
Suonano Il Complesso Barocco e l'Orchestra del Maggio Musicale Fiorentino.
Nella parti principali Anders Dahlin (Ottone), Susan Graham (Poppea), Jeremy Ovenden (Nerone), Krystian Adam (Arnalta), José Maria Lo Monaco (Ottavia), Nicola Marchesini (Nutrice), Matthew Brook (Seneca) e Ana Quintans (Drusilla).
L’opera presenta una grandissima attualità per il linguaggio moderno, le espressioni talora audaci che denunciano le umane passioni e per l’aderenza parola-musica, in un recitar cantando in cui Busenello superò se stesso.
La produzione è a dir poco avvincente per l’incisiva caratterizzazione dei personaggi voluta da Pizzi, per le scene monumentali, che evocano la Roma dei Cesari, per la concertazione che presenta un’interessante ri-lettura di quanto trasmesso dalle fonti (di fatto i due manoscritti del 1643-1653, uno conservato a Venezia, l’altro a Napoli, molto discordanti fra loro, presentano solo il basso continuo e la linea del canto).
I molti misteri che avvolgono tuttora la coerenza e la composizione dell’opera non ne diminuiscono la potenza; ‘un miracolo’ dice Pier Luigi Pizzi ‘che il frutto di tante manipolazioni possa aver portato a compimento un’opera così coerente dall’inizio alla fine’.
L’opera presenta una grandissima attualità per il linguaggio moderno, le espressioni talora audaci che denunciano le umane passioni e per l’aderenza parola-musica, in un recitar cantando in cui Busenello superò se stesso.
La produzione è a dir poco avvincente per l’incisiva caratterizzazione dei personaggi voluta da Pizzi, per le scene monumentali, che evocano la Roma dei Cesari, per la concertazione che presenta un’interessante ri-lettura di quanto trasmesso dalle fonti (di fatto i due manoscritti del 1643-1653, uno conservato a Venezia, l’altro a Napoli, molto discordanti fra loro, presentano solo il basso continuo e la linea del canto).
I molti misteri che avvolgono tuttora la coerenza e la composizione dell’opera non ne diminuiscono la potenza; ‘un miracolo’ dice Pier Luigi Pizzi ‘che il frutto di tante manipolazioni possa aver portato a compimento un’opera così coerente dall’inizio alla fine’.
Già esaurita la recita di sabato 18 giugno, ultimi posti disponibili per le repliche di lunedì 20 giugno e mercoledì 22 giugno.
venerdì 10 giugno 2011
"Il ratto dal serraglio" del Maggio su RAI5
Prosegue con il coloratissimo Oriente da favola del Ratto dal serraglio di Mozart il ciclo di opere dai grandi teatri italiani trasmesse da Rai5. Domenica 12 giugno alle 10 va in onda il fortunato allestimento messo in scena nel 2002 da Eike Gramss, nella deliziosa cornice del Teatro della Pergola di Firenze. Sul podio Zubin Mehta, che ha fatto dell’opera di Mozart uno dei punti d’eccellenza del suo repertorio, fin da quando la diresse per la prima volta nel 1965 al Festival di Salisburgo.
Protagonisti dello spettacolo Markus John, nel ruolo del saggio Pascià Selim, Eva Mei e Rainer Trost come coppia nobile Kostanze-Belmonte, Patrizia Ciofi e Mehrzad Montazeri come coppia buffa Blonde-Pedrillo, e Kurt Rydl nel ruolo del crudele guardiano dell’harem Osmin, in questo allestimento costantemente accompagnato da un coccodrillo, portato a spasso come un cagnolino.
Il Singspiel, su libretto di Johann Gottlieb Stephanie il Giovane, andò in scena per la prima volta a Vienna il 6 luglio 1782, e segnò il primo successo di Mozart come “libero professionista”: si era infatti appena affrancato dagli obblighi che lo avevano tenuto legato per anni all’Arcivescovo Colloredo a Salisburgo.
Lo spettacolo è proposto in lingua tedesca con i sottotitoli in italiano. La regia televisiva è di George Blume.
Protagonisti dello spettacolo Markus John, nel ruolo del saggio Pascià Selim, Eva Mei e Rainer Trost come coppia nobile Kostanze-Belmonte, Patrizia Ciofi e Mehrzad Montazeri come coppia buffa Blonde-Pedrillo, e Kurt Rydl nel ruolo del crudele guardiano dell’harem Osmin, in questo allestimento costantemente accompagnato da un coccodrillo, portato a spasso come un cagnolino.
Il Singspiel, su libretto di Johann Gottlieb Stephanie il Giovane, andò in scena per la prima volta a Vienna il 6 luglio 1782, e segnò il primo successo di Mozart come “libero professionista”: si era infatti appena affrancato dagli obblighi che lo avevano tenuto legato per anni all’Arcivescovo Colloredo a Salisburgo.
Lo spettacolo è proposto in lingua tedesca con i sottotitoli in italiano. La regia televisiva è di George Blume.
mercoledì 11 maggio 2011
L'Aida alla presenza del Presidente Napolitano
Nell’ambito delle celebrazioni per i 150 anni dell’Unità d’Italia il Presidente della Repubblica Giorgio Napolitano sarà a Firenze oggi e domani.
Durante la sua visita avrà modo di assistere al Teatro Comunale alla sesta ed ultima recita del titolo inaugurale del 74° Festival del Maggio Musicale Fiorentino: Aida di Giuseppe Verdi, per la regia di Ferzan Ozpetek, scene di Dante Ferretti, costumi di Alessandro Lai, Direttore Zubin Mehta, Maestro del Coro Piero Monti, Direttore del Corpo di Ballo Francesco Ventriglia, Direttore allestimenti scenici Italo Grassi.
“Sono contenta che nelle ultime due settimane, per l’inaugurazione del 74° Festival del Maggio Musicale Fiorentino, siano intervenuti al Teatro Comunale tre importanti cariche istituzionali europee: il Ministro per i Beni e le Attività Culturali, Giancarlo Galan; il Commissario Europeo per l'Istruzione, la Cultura, il Multilinguismo e la Gioventù, Androulla Vassiliou, e giovedì il Presidente della Repubblica Italiana Giorgio Napolitano.” - afferma il Sovrintendente Francesca Colombo- “Era dal 1990 che un Ministro allo Spettacolo non assisteva ad una rappresentazione al Maggio. L’ultima visita di un Capo di Stato al Teatro Comunale risale al 2001, quando ad inaugurare l’anno verdiano venne il Presidente Carlo Azeglio Ciampi, ora, la visita del Presidente della Repubblica mi rende particolarmente felice, soprattutto in occasione delle importanti celebrazioni per i 150 anni dell’Unità d’Italia, un anniversario che il Teatro del Maggio Musicale ha tenuto costantemente presente nel programmare ogni attività in sede ed in tournée, per tutto il 2011”.
Il Presidente Napolitano in questo 2011 ha seguito con grande partecipazione le tournées del Maggio Musicale Fiorentino e, conferendo agli artisti ed ai dipendenti del Teatro la spilla emblema delle celebrazioni, ha reso il Teatro Ambasciatore delle celebrazioni e della cultura italiana nel mondo.
Tutto il Festival è stato programmato per incardinarsi all’interno delle celebrazioni e ricordare l’anniversario dell’Unità d’Italia attraverso un excursus che vuole rendere omaggio ad alcuni capisaldi nella storia della musica e dell’opera lirica in Italia, da Claudio Monteverdi a Giuseppe Verdi, fino alla contemporaneità, con l’opera che fra tre giorni debutterà al Teatro Goldoni, L’Italia del destino di Luca Mosca e Gianluigi Melega.
Le celebrazioni dei 150 anni dell’Unità d’Italia si concluderanno per il Maggio Musicale Fiorentino dal 21 al 31 dicembre 2011, con l’Inaugurazione del Nuovo Teatro.
Durante la sua visita avrà modo di assistere al Teatro Comunale alla sesta ed ultima recita del titolo inaugurale del 74° Festival del Maggio Musicale Fiorentino: Aida di Giuseppe Verdi, per la regia di Ferzan Ozpetek, scene di Dante Ferretti, costumi di Alessandro Lai, Direttore Zubin Mehta, Maestro del Coro Piero Monti, Direttore del Corpo di Ballo Francesco Ventriglia, Direttore allestimenti scenici Italo Grassi.
“Sono contenta che nelle ultime due settimane, per l’inaugurazione del 74° Festival del Maggio Musicale Fiorentino, siano intervenuti al Teatro Comunale tre importanti cariche istituzionali europee: il Ministro per i Beni e le Attività Culturali, Giancarlo Galan; il Commissario Europeo per l'Istruzione, la Cultura, il Multilinguismo e la Gioventù, Androulla Vassiliou, e giovedì il Presidente della Repubblica Italiana Giorgio Napolitano.” - afferma il Sovrintendente Francesca Colombo- “Era dal 1990 che un Ministro allo Spettacolo non assisteva ad una rappresentazione al Maggio. L’ultima visita di un Capo di Stato al Teatro Comunale risale al 2001, quando ad inaugurare l’anno verdiano venne il Presidente Carlo Azeglio Ciampi, ora, la visita del Presidente della Repubblica mi rende particolarmente felice, soprattutto in occasione delle importanti celebrazioni per i 150 anni dell’Unità d’Italia, un anniversario che il Teatro del Maggio Musicale ha tenuto costantemente presente nel programmare ogni attività in sede ed in tournée, per tutto il 2011”.
Il Presidente Napolitano in questo 2011 ha seguito con grande partecipazione le tournées del Maggio Musicale Fiorentino e, conferendo agli artisti ed ai dipendenti del Teatro la spilla emblema delle celebrazioni, ha reso il Teatro Ambasciatore delle celebrazioni e della cultura italiana nel mondo.
Tutto il Festival è stato programmato per incardinarsi all’interno delle celebrazioni e ricordare l’anniversario dell’Unità d’Italia attraverso un excursus che vuole rendere omaggio ad alcuni capisaldi nella storia della musica e dell’opera lirica in Italia, da Claudio Monteverdi a Giuseppe Verdi, fino alla contemporaneità, con l’opera che fra tre giorni debutterà al Teatro Goldoni, L’Italia del destino di Luca Mosca e Gianluigi Melega.
Le celebrazioni dei 150 anni dell’Unità d’Italia si concluderanno per il Maggio Musicale Fiorentino dal 21 al 31 dicembre 2011, con l’Inaugurazione del Nuovo Teatro.
martedì 10 maggio 2011
Tre domande a... Giacomo Prestia
Il basso Giacomo Prestia è nato e vive a Firenze. Ha cantato nei principali teatri del mondo, interpretando soprattutto personaggi verdiani. In questa Aida è Ramfis, il capo dei sacerdoti.
Qual è a suo parere la principale peculiarità di questo nuovo allestimento di Aida?
Bellissima produzione, molto classica, come raramente si vede; ormai è facile imbattersi in regie allucinanti! In questo caso è un vero piacere. Poi io sono fiorentino…
A questo proposito, cosa significa per lei cantare al Maggio?
Nel mio caso esibirsi al Maggio è un motivo di stress in più! Cantare nella propria città è sempre molto emozionante, soprattutto quando si lavora col Maestro Mehta. Io poi sono stato membro del Coro dal 1988 al 1992. Ritrovo tutti gli ex colleghi e mi sento gli occhi addosso! Conosco molto bene anche gli altri artisti del cast, essendo tutti interpreti verdiani. Con Luciana D’Intino ad esempio cantiamo spessissimo insieme, ed è sempre una gioia; siamo molto amici e siamo anche nati lo stesso giorno!
Ramfis, il suo personaggio, è l’inflessibile e implacabile capo dei sacerdoti cui soccombono di fatto tutti i personaggi (Radamès e Aida ma anche Amneris). Può essere definito il personaggio negativo dell’opera?
Ramfis è un vero rompiscatole! Ricorda molto un personaggio del film Scusi, dov’è il West?, con Gene Wilder e Harrison Ford. Ramfis è identico allo stregone-sciamano di una tribù indiana: a un certo punto tutti si divertono come matti, tranne lui, sempre cupo; alla fine anche il capo della tribù lo guarda ed esclama “che noia”! Ma del resto la musica è sovrana, se il personaggio è scritto così, deve essere così: Ramfis decide tutto, le sorti di ogni cosa, in nome dei Numi. È monolitico, imperscrutabile; è solamente un tramite tra gli uomini e Dio, quindi deve essere integerrimo. Anche la stessa decisione del Re di dare Amneris in sposa a Radamès non è ben presa da Ramfis. È vero che Amneris cerca, invano, di ribellarsi al suo volere, ma chissà, se fosse stata scritta “Aida II – La vendetta” la seconda ad andare a giudizio sarebbe stata proprio Amneris!
giovedì 5 maggio 2011
Tre domande a... Ambrogio Maestri
Ambrogio Maestri, considerato dalla critica uno dei migliori baritoni della sua generazione, canta per la prima volta al Maggio Musicale Fiorentino. È acclamato in tutti i teatri del mondo soprattutto come Falstaff, ruolo con cui ha debuttato nel 2001.
Come si sente al suo debutto al Maggio Musicale Fiorentino, in occasione di un allestimento come questo di Aida?
Mi ritengo fortunato! Quest’opera è un vero kolossal! Sembra di toccare l’Egitto, è bellissimo. Per noi cantanti è come stare in un pezzo di Egitto e respirare l’aria di allora; e sento ancora di più il mio ruolo. Non è cosa da poco al giorno d’oggi!
Amonasro, in nome del trono, chiede un grande sacrificio ad Aida, minacciando di non considerarla più sua figlia. È un personaggio negativo?
In generale, quando il baritono verdiano entra in scena la storia cambia. Di solito è il padre, non è mai amante di nessuno, e mette i bastoni tra le ruote! Anche Amonasro è padre e Ferzan Ozpetek ha voluto creare proprio la vicinanza di Aida col padre; devo quindi ricordarmi di essere papà per poi tornare guerriero. E questo è un aspetto nuovo che non si vede spesso nelle altre regie: Amonasro è sempre burbero, tiene lontano la figlia ("Non mi tradir!"); viene esaltata in genere la caratteristica di guerriero, anche se non ha la stessa levatura del faraone ma è più sanguigno. Questa regia sottolinea invece il lato paterno: pur non essendo molti gli spunti in questo senso, nella scena del duetto con Aida si nota tale vicinanza tra padre e figlia, finché Amonasro non ritorna guerriero. A quel punto si deve servire di qualcuno, in questo caso della figlia, per il bene del suo popolo, non per il proprio. Se si guarda la cosa attraverso la prospettiva del popolo etiope il personaggio non è negativo. Di fatto, anche per Aida vince la patria sul suo uomo. E quindi rispetto al tenore vince il baritono!
Quali sono il suo ruolo e autore prediletti?
Il mio autore preferito è Verdi. Amonasro è un bellissimo ruolo, concentrato solo fra la fine del secondo atto e l’inizio del terzo: per questo motivo si dice che Amonasro rubi i soldi al teatro, ma l’ha voluto Verdi, non io! Il mio ruolo prediletto è però Falstaff che ne combina di tutti i colori dall’inizio alla fine. Ho cantato più di cento recite di Amonasro e Falstaff, in Italia ma anche a Vienna, al Metropolitan di New York e così via. Soltanto all’Arena di Verona canto ogni anno 10-12 recite di Amonasro. Diciamo che dopo più di cento recite so quale Amonasro ho in mente. Quando entro in scena so benissimo cosa sto dicendo! E adesso, nel nuovo allestimento, cerco di trattenermi per dare più spazio al padre.
Come si sente al suo debutto al Maggio Musicale Fiorentino, in occasione di un allestimento come questo di Aida?
Mi ritengo fortunato! Quest’opera è un vero kolossal! Sembra di toccare l’Egitto, è bellissimo. Per noi cantanti è come stare in un pezzo di Egitto e respirare l’aria di allora; e sento ancora di più il mio ruolo. Non è cosa da poco al giorno d’oggi!
Amonasro, in nome del trono, chiede un grande sacrificio ad Aida, minacciando di non considerarla più sua figlia. È un personaggio negativo?
In generale, quando il baritono verdiano entra in scena la storia cambia. Di solito è il padre, non è mai amante di nessuno, e mette i bastoni tra le ruote! Anche Amonasro è padre e Ferzan Ozpetek ha voluto creare proprio la vicinanza di Aida col padre; devo quindi ricordarmi di essere papà per poi tornare guerriero. E questo è un aspetto nuovo che non si vede spesso nelle altre regie: Amonasro è sempre burbero, tiene lontano la figlia ("Non mi tradir!"); viene esaltata in genere la caratteristica di guerriero, anche se non ha la stessa levatura del faraone ma è più sanguigno. Questa regia sottolinea invece il lato paterno: pur non essendo molti gli spunti in questo senso, nella scena del duetto con Aida si nota tale vicinanza tra padre e figlia, finché Amonasro non ritorna guerriero. A quel punto si deve servire di qualcuno, in questo caso della figlia, per il bene del suo popolo, non per il proprio. Se si guarda la cosa attraverso la prospettiva del popolo etiope il personaggio non è negativo. Di fatto, anche per Aida vince la patria sul suo uomo. E quindi rispetto al tenore vince il baritono!
Quali sono il suo ruolo e autore prediletti?
Il mio autore preferito è Verdi. Amonasro è un bellissimo ruolo, concentrato solo fra la fine del secondo atto e l’inizio del terzo: per questo motivo si dice che Amonasro rubi i soldi al teatro, ma l’ha voluto Verdi, non io! Il mio ruolo prediletto è però Falstaff che ne combina di tutti i colori dall’inizio alla fine. Ho cantato più di cento recite di Amonasro e Falstaff, in Italia ma anche a Vienna, al Metropolitan di New York e così via. Soltanto all’Arena di Verona canto ogni anno 10-12 recite di Amonasro. Diciamo che dopo più di cento recite so quale Amonasro ho in mente. Quando entro in scena so benissimo cosa sto dicendo! E adesso, nel nuovo allestimento, cerco di trattenermi per dare più spazio al padre.
mercoledì 4 maggio 2011
Tre domande a... Marco Berti
A partire dal debutto avvenuto nel 1990, il tenore Marco Berti, che pochi mesi fa ha interpretato al Maggio il ruolo di Cavaradossi nella Tosca, ha calcato le scene dei principali teatri del mondo, riscuotendo ovunque grande successo e affermandosi come uno dei più importanti interpreti delle opere di Verdi e Puccini.
Cosa ne pensa di questa produzione con la regia di Ferzan Ozpetek? E del suo personaggio, Radamès, è enfatizzato più l’aspetto eroico o quello dell’innamorato?
La produzione è molto bella, tradizionale, con colori accesi, però funzionale, da vedere. Bello il gioco di luci, belli i costumi. Sono anni che non si vede una produzione di questo calibro; del resto è stata realizzata da Dante Ferretti! Riguardo alla regia, ognuno di noi cantanti porta sempre la propria esperienza a confronto con quella del regista, cercando di realizzare il personaggio al meglio in base ai due punti di vista. In particolare, con Ozpetek abbiamo fatto un lavoro che puntava alla naturalezza, senza l’artificiosità tipica del teatro lirico. E tutto ciò mantenendo sempre il rispetto per la propria vocalità e dando la possibilità di esprimersi al meglio nel canto e nella musica.
A proposito di Radamès posso dire che non lo considero un personaggio totalmente positivo: o almeno, lo è solo dopo il III atto, quindi alla fine. Radamès è ambizioso, nella prima parte guarda solo al successo; aspira alla vittoria, desidera che gli venga affidato il ruolo di comandante e poter chiedere così la mano di Aida. Tanta utopia e poca razionalità. Il grande sogno di Radamès è quello di conquistare il potere; è un ragazzotto, un soldato e ha il piede in due scarpe: è innamorato di Aida ed è corrisposto, mentre Amneris è innamorata di lui, non corrisposta; Radamès però sa che Amneris in quanto figlia del faraone potrebbe avere una certa influenza sulla decisione finale di chi porre al comando delle schiere egizie e quindi gioca molto sul suo affetto, lascia intendere senza mai dichiararsi. Questo fino alla conclusione del III atto: quando si scopre tradito da Aida, abilmente manovrata dal padre, li fa scappare e si consegna nelle mani del sacerdote come traditore della patria. Si sente ovviamente in parte ingannato da Aida, ma anche lui in qualche modo ha tradito Amneris, poiché tutta la fiducia in lui riposta è stata delusa. Il coraggio a questo punto non gli manca, ma solo adesso, nel quarto atto, si rivela un eroe: “io muoio per lei; ho tradito la mia patria e sono pronto a morire”; quando poi Amneris rivela che Aida è ancora viva, Radamès la immagina felice in patria ed è contento di morire solo per i propri errori. Grandissima delusione quando trova Aida nella tomba! La credeva salva e infatti dice: "Morir! sì pura e bella! | Morir per me d’amore". Aida è innamorata di lui, sapendo della sua condanna si è intrufolata nella prigione-tomba, e decide di morire assieme a lui; per Aida infatti non ha senso la vita senza Radamès; e, di conseguenza, Radamès sceglie di morire per Aida.
Come si colloca Radamès, anche dal punto di vista vocale, rispetto agli altri personaggi verdiani?
Verdi è sempre Verdi. Aida presenta forse qualche insidia in più: da principio si richiede il tenore eroico, di squillo, con subito una difficoltà, l’aria "Celeste Aida" posta all’inizio; una parte centrale, il terzo atto, dove si ha invece il tenore spinto per antonomasia, per poi arrivare al quarto atto, la parte finale, in cui il tenore deve essere lirico, realizzare molti effetti e sfumature a fil di voce. Sono varie sfaccettature che portano a una difficoltà vocale e musicale non indifferente. Tanti tenori ritenevano Aida una delle opere più difficili: Corelli diceva che era più difficile di Manon Lescaut e che nella parte ci sono 29 si bemolle (io però non li ho mai contati)! In pratica in Aida si ha lo slancio pucciniano mantenendo però un fraseggio verdiano. Radamès è un ruolo complesso, non è certo una passeggiata.
Lei ha definito Verdi il Mozart italiano. Cosa accomuna i due compositori?
Con Verdi, uno dei miei autori preferiti, non puoi lasciarti prendere dalla passione e dal cuore; o meglio, la passione e il cuore ci devono essere ma devono essere usati col cervello e con la razionalità. Stessa cosa in Mozart: non si può dare niente per scontato, bisogna essere estremi calcolatori in tutto se si vuole arrivare alla fine. Tanti affermano che Mozart scrive opere su cinque note. Invece no: tenori, soprani, tutte le voci sono sempre esposte; bisogna davvero saper cantare per arrivare sino in fondo. Con Verdi è lo stesso. Mentre in Puccini un singhiozzo, un pianto possono aiutare, Verdi invece non ti regala niente. Per quello è il Mozart italiano. C’è chi lo definisce “zum-pa-pa”: in parte è vero, nel senso che ci sono momenti in cui l’accompagnamento è nullo e il cantante deve fraseggiare, colorare, fare il legato, emettere suoni belli, portare tutti i legati agli acuti e ottenere quindi un’omogeneità vocale che a volte manca in Puccini. Ad esempio in Madama Butterfly: Pinkerton è un ruolo più d’impeto, con qualche grande frase e qualche acuto di slancio. In tutta l’intera produzione di Verdi invece, dal Nabucco in poi, non è così. Basti pensare alla Messa da requiem, che a mio parere è un compendio verdiano: se non hai il fraseggio, il legato, soprattutto se non sai cantare, non arrivi in fondo. Prova ne è che tanti ci lasciano le penne: è fondamentale essere vocalmente in forma; basta anche il raffreddore di una sera per avere problemi. Eppure quella del Requiem non è una parte lunga ma è impegnativa. Si pensi all’Hostias: è il momento clou, con un accordo sotto, un tremolo di archi, e il tenore attacca con un mi, quindi zona di passaggio di registro, e deve attaccare piano; e così anche nelle frasi successive. È davvero impegnativo.
Cosa ne pensa di questa produzione con la regia di Ferzan Ozpetek? E del suo personaggio, Radamès, è enfatizzato più l’aspetto eroico o quello dell’innamorato?
La produzione è molto bella, tradizionale, con colori accesi, però funzionale, da vedere. Bello il gioco di luci, belli i costumi. Sono anni che non si vede una produzione di questo calibro; del resto è stata realizzata da Dante Ferretti! Riguardo alla regia, ognuno di noi cantanti porta sempre la propria esperienza a confronto con quella del regista, cercando di realizzare il personaggio al meglio in base ai due punti di vista. In particolare, con Ozpetek abbiamo fatto un lavoro che puntava alla naturalezza, senza l’artificiosità tipica del teatro lirico. E tutto ciò mantenendo sempre il rispetto per la propria vocalità e dando la possibilità di esprimersi al meglio nel canto e nella musica.
A proposito di Radamès posso dire che non lo considero un personaggio totalmente positivo: o almeno, lo è solo dopo il III atto, quindi alla fine. Radamès è ambizioso, nella prima parte guarda solo al successo; aspira alla vittoria, desidera che gli venga affidato il ruolo di comandante e poter chiedere così la mano di Aida. Tanta utopia e poca razionalità. Il grande sogno di Radamès è quello di conquistare il potere; è un ragazzotto, un soldato e ha il piede in due scarpe: è innamorato di Aida ed è corrisposto, mentre Amneris è innamorata di lui, non corrisposta; Radamès però sa che Amneris in quanto figlia del faraone potrebbe avere una certa influenza sulla decisione finale di chi porre al comando delle schiere egizie e quindi gioca molto sul suo affetto, lascia intendere senza mai dichiararsi. Questo fino alla conclusione del III atto: quando si scopre tradito da Aida, abilmente manovrata dal padre, li fa scappare e si consegna nelle mani del sacerdote come traditore della patria. Si sente ovviamente in parte ingannato da Aida, ma anche lui in qualche modo ha tradito Amneris, poiché tutta la fiducia in lui riposta è stata delusa. Il coraggio a questo punto non gli manca, ma solo adesso, nel quarto atto, si rivela un eroe: “io muoio per lei; ho tradito la mia patria e sono pronto a morire”; quando poi Amneris rivela che Aida è ancora viva, Radamès la immagina felice in patria ed è contento di morire solo per i propri errori. Grandissima delusione quando trova Aida nella tomba! La credeva salva e infatti dice: "Morir! sì pura e bella! | Morir per me d’amore". Aida è innamorata di lui, sapendo della sua condanna si è intrufolata nella prigione-tomba, e decide di morire assieme a lui; per Aida infatti non ha senso la vita senza Radamès; e, di conseguenza, Radamès sceglie di morire per Aida.
Come si colloca Radamès, anche dal punto di vista vocale, rispetto agli altri personaggi verdiani?
Verdi è sempre Verdi. Aida presenta forse qualche insidia in più: da principio si richiede il tenore eroico, di squillo, con subito una difficoltà, l’aria "Celeste Aida" posta all’inizio; una parte centrale, il terzo atto, dove si ha invece il tenore spinto per antonomasia, per poi arrivare al quarto atto, la parte finale, in cui il tenore deve essere lirico, realizzare molti effetti e sfumature a fil di voce. Sono varie sfaccettature che portano a una difficoltà vocale e musicale non indifferente. Tanti tenori ritenevano Aida una delle opere più difficili: Corelli diceva che era più difficile di Manon Lescaut e che nella parte ci sono 29 si bemolle (io però non li ho mai contati)! In pratica in Aida si ha lo slancio pucciniano mantenendo però un fraseggio verdiano. Radamès è un ruolo complesso, non è certo una passeggiata.
Lei ha definito Verdi il Mozart italiano. Cosa accomuna i due compositori?
Con Verdi, uno dei miei autori preferiti, non puoi lasciarti prendere dalla passione e dal cuore; o meglio, la passione e il cuore ci devono essere ma devono essere usati col cervello e con la razionalità. Stessa cosa in Mozart: non si può dare niente per scontato, bisogna essere estremi calcolatori in tutto se si vuole arrivare alla fine. Tanti affermano che Mozart scrive opere su cinque note. Invece no: tenori, soprani, tutte le voci sono sempre esposte; bisogna davvero saper cantare per arrivare sino in fondo. Con Verdi è lo stesso. Mentre in Puccini un singhiozzo, un pianto possono aiutare, Verdi invece non ti regala niente. Per quello è il Mozart italiano. C’è chi lo definisce “zum-pa-pa”: in parte è vero, nel senso che ci sono momenti in cui l’accompagnamento è nullo e il cantante deve fraseggiare, colorare, fare il legato, emettere suoni belli, portare tutti i legati agli acuti e ottenere quindi un’omogeneità vocale che a volte manca in Puccini. Ad esempio in Madama Butterfly: Pinkerton è un ruolo più d’impeto, con qualche grande frase e qualche acuto di slancio. In tutta l’intera produzione di Verdi invece, dal Nabucco in poi, non è così. Basti pensare alla Messa da requiem, che a mio parere è un compendio verdiano: se non hai il fraseggio, il legato, soprattutto se non sai cantare, non arrivi in fondo. Prova ne è che tanti ci lasciano le penne: è fondamentale essere vocalmente in forma; basta anche il raffreddore di una sera per avere problemi. Eppure quella del Requiem non è una parte lunga ma è impegnativa. Si pensi all’Hostias: è il momento clou, con un accordo sotto, un tremolo di archi, e il tenore attacca con un mi, quindi zona di passaggio di registro, e deve attaccare piano; e così anche nelle frasi successive. È davvero impegnativo.
martedì 3 maggio 2011
Tre domande a... Luciana D'Intino
Luciana D’Intino, mezzosoprano di fama internazionale, torna al Maggio Musicale Fiorentino per interpretare Amneris, uno dei suoi ruoli d’elezione assieme al personaggio di Eboli del Don Carlo di Giuseppe Verdi.
Amneris è un personaggio fondamentale: è la rivale di Aida e appare crudele, soprattutto nella prima parte dell’opera. Eppure si ha l’impressione che nonostante ciò non possa suscitare l’antipatia del pubblico. È d’accordo?
Amneris ha tutte le caratteristiche di una donna di potere e in realtà può anche suscitare antipatia nel pubblico. Alcuni personaggi possono apparire negativi al primo impatto. Però Amneris si riscatta, acquista una qualità che è rara visto il suo esordire, cioè la compassione che la caratterizza alla fine, questo dolore intenso che emerge per non avere potuto salvare un simbolo, l’uomo che ha salvato l’Egitto e che era anche il suo innamorato.
L’importanza e il fascino del personaggio sono dati forse anche dal fatto che Verdi ha affidato ad Amneris alcune delle pagine più belle della partitura?
Verdi amava il registro di mezzosoprano. Credo che tra i compositori che conosciamo, a parte forse Rossini che ha scritto moltissimo per i contralti – ma è un’altra cosa – e Donizetti, nessuno come Verdi ha messo in evidenza questa figura di donna a tutto tondo, ma soprattutto di donna estremamente moderna: quanto è angelicato il soprano tanto è forte, aggressivo, se si vuole anche di potere, il mezzosoprano. E ad Amneris si possono accostare gli altri miei due ruoli, Eboli del Don Carlo e Azucena de Il trovatore.
La regia di Ozpetek, il quale affronta un’opera per la prima volta, ha arricchito o trasformato la sua visione del personaggio? E più in generale, quanto è difficile adattarsi a una regia quando si domina un ruolo come lei domina quello di Amneris?
Questa produzione è estremamente classica nell’impostazione. Indubbiamente ci saranno delle magie a livello interpretativo, sonoro e dell’orchestra; cosa che succede, che deve succedere, ogni volta che un’opera debutta. E ogni volta bisogna rimettersi in gioco. Indubbiamente la personalità gioca la sua parte: se un cantante ha acquisito un certo carisma del ruolo è ovvio che dà al personaggio un’impronta indelebile; segue le indicazioni del momento senza snaturarsi. Non si smette mai di arricchire un’interpretazione, sia dal punto di vista musicale, perché si cambia sempre, sia da quello della regia; è sempre un rinnovarsi ed è questo l’aspetto bello. È come guardare un quadro: se tu lo vedi cento volte, cento volte lo guardi con un occhio diverso.
sabato 30 aprile 2011
Tre domande a... Hui He
Il soprano cinese Hui He ha debuttato in Italia con Tosca nel 2002, ottenendo grande successo. Da quel momento ha calcato i principali palcoscenici italiani e internazionali. Canta per la prima volta al Teatro Comunale ma non a Firenze, dove è stata interprete proprio di Aida nel 2003 al Teatro della Pergola, nella produzione di Franco Zeffirelli.
Cosa pensa di questo allestimento di Aida e com’è il suo personaggio?
La mia Aida è una donna dolce ma anche forte, è allo stesso tempo una principessa ma anche una schiava. Tutta la storia ruota attorno a questi due aspetti del personaggio: Aida è innamorata di Radamès ma come principessa ha una grande responsabilità nei confronti della sua patria. Elementi che emergono con forza prima nella scena del "Ritorna vincitor", poi nel duetto con Amneris del secondo atto ma soprattutto nel terzo, durante l’incontro con il padre Amonasro, forse il momento più forte dell’opera. Con Ferzan Ozpetek abbiamo parlato molto del personaggio, è stato bello. Questa produzione mi piace tantissimo, a partire dalla scenografia di grande effetto, è arte pura. Il cast poi è eccezionale: Marco Berti, Luciana D’Intino, Ambrogio Maestri sono cantanti di primo livello e sono veramente orgogliosa di essere qua. E il Maestro Zubin Mehta è un grandissimo direttore. Sono contentissima.
Rispetto anche alle opere di Puccini, autore che lei affronta molto spesso, quali sono le principali difficoltà del ruolo di Aida?
Aida è il mio ruolo preferito ed è quello con cui ho debuttato nel 1998. Fin dall’inizio mi sono trovata benissimo anche se è vero che tecnicamente è difficile: nel primo e nel secondo atto la scrittura è da soprano drammatico; nel terzo comincia come soprano lirico, la musica infatti prevede una tessitura più alta, ci sono molti filati e tanti momenti drammatici. Ci vuole una tecnica perfetta, non è un ruolo facile. La scrittura di Puccini, ad esempio, è meno difficile dal punto di vista tecnico ma lo è maggiormente da quello espressivo. Verdi scrive benissimo, un cantante ha sempre da imparare; alla fine di una produzione la voce sta meglio!
Lei è cinese. Come è nata la passione per la lirica?
Ho cominciato a studiare canto a diciotto anni, al conservatorio della mia città, Xi’An. La prima opera che ho sentito è stata La bohème. Ho pianto tanto! Bellissima. E ho deciso che volevo cantare. Del resto non ha importanza essere cinese, coreano, italiano o americano: la musica è una lingua internazionale, non ha niente a che fare col passaporto.
giovedì 28 aprile 2011
Tre domande a... Zubin Mehta
Zubin Mehta torna ad aprire il Maggio Musicale Fiorentino e a dirigere per la terza volta Aida a Firenze, dopo averla interpretata anche in Giappone in tournée con l’Orchestra ed il Coro del Maggio nel settembre 1996, sempre in nuovi allestimenti di forte impatto visivo. La prima volta nel 32° Maggio Musicale 1969 con la regia di Carlo Maestrini e le scene e i costumi di Enrico d’Assia; la seconda, nella Stagione Estiva 1996 per la regia di Lorenzo Mariani e scene e costumi di Raffaele Del Savio - edizione portata anche in Giappone - e l’attuale che vede impegnati con Mehta Ferzan Ozpetek, al suo debutto in una regia lirica, lo scenografo premio Oscar Dante Ferretti e il costumista Alessandro Lai. È dunque un’opera particolarmente cara, da molti anni, al grande maestro indiano che l’ha diretta in tutto il mondo e più volte registrata in disco.
Aida è un’opera che lei ha diretto molte volte a Firenze e nel mondo: quali sensazioni prova nell’accostarsi di nuovo a questo capolavoro?
Ogni volta che affronto Aida, dico ai registi che collaborano con me: io credo che il Leitmotiv di quest’opera sia il deserto. Io voglio “sentire” il deserto. L’ho chiesto anche a Ferzan Ozpetek, che è rimasto affascinato da questo mio suggerimento. Io non entro mai nei dettagli del lavoro di un regista, ma ritengo essenziale questa presenza del deserto. Nelle scenografie di Dante Ferretti si vedranno delle enormi teste, come a Nemrut in Turchia, emergere dalla sabbia e questo sarà a sua volta il filo conduttore visuale dello spettacolo. E alla fine mi piacerebbe, con un coup de théâtre, che fosse la sabbia e non la tomba a soffocare Aida e Radamès.
Aida è un’opera che ha attraversato tutta la sua carriera e che dirige da molti anni. Come è cambiata, se è cambiata nel corso del tempo, la sua interpretazione?
Non è cambiata molto in tutti questi anni. Io ho avuto la grande fortuna di lavorare fin dall’inizio con grandi cantanti con i quali ho potuto definire da subito la mia interpretazione di Aida. Ricordo con affetto la mia prima Aida fiorentina nel 1969, Virginia Zeani, che con Shirley Verrett e Carlo Bergonzi formava il cast in quell’occasione. Purtroppo Bergonzi si ammalò a poche ore dalla prima e dovemmo cancellare la serata d’apertura del Maggio. Una vera sfortuna! Poi Bergonzi cantò, benissimo, alcune repliche dopo esser stato sostituito prima da Amedeo Zambon e poi da Flaviano Labò.
Aida è un’opera che lei ha diretto molte volte a Firenze e nel mondo: quali sensazioni prova nell’accostarsi di nuovo a questo capolavoro?
Ogni volta che affronto Aida, dico ai registi che collaborano con me: io credo che il Leitmotiv di quest’opera sia il deserto. Io voglio “sentire” il deserto. L’ho chiesto anche a Ferzan Ozpetek, che è rimasto affascinato da questo mio suggerimento. Io non entro mai nei dettagli del lavoro di un regista, ma ritengo essenziale questa presenza del deserto. Nelle scenografie di Dante Ferretti si vedranno delle enormi teste, come a Nemrut in Turchia, emergere dalla sabbia e questo sarà a sua volta il filo conduttore visuale dello spettacolo. E alla fine mi piacerebbe, con un coup de théâtre, che fosse la sabbia e non la tomba a soffocare Aida e Radamès.
Aida è un’opera che ha attraversato tutta la sua carriera e che dirige da molti anni. Come è cambiata, se è cambiata nel corso del tempo, la sua interpretazione?
Non è cambiata molto in tutti questi anni. Io ho avuto la grande fortuna di lavorare fin dall’inizio con grandi cantanti con i quali ho potuto definire da subito la mia interpretazione di Aida. Ricordo con affetto la mia prima Aida fiorentina nel 1969, Virginia Zeani, che con Shirley Verrett e Carlo Bergonzi formava il cast in quell’occasione. Purtroppo Bergonzi si ammalò a poche ore dalla prima e dovemmo cancellare la serata d’apertura del Maggio. Una vera sfortuna! Poi Bergonzi cantò, benissimo, alcune repliche dopo esser stato sostituito prima da Amedeo Zambon e poi da Flaviano Labò.
Maestro, cosa si aspetta da questa nuova Aida fiorentina?
Abbiamo un grande regista cinematografico, come Ozpetek, con il quale l’intesa è stata immediata, abbiamo uno scenografo formidabile come Dante Ferretti, premio Oscar e uno dei più stretti collaboratori di Martin Scorsese in tanti capolavori, abbiamo un ottimo cast: ci sono tutte le premesse per fare bene. Quello che mi aspetto, dunque, è uno spettacolo che sappia rendere al meglio tanto le grandi scene di massa quanto il sottile gioco teatrale di Verdi nella parti più intimistiche, fondendo queste due “anime” di Aida in modo convincente, così da far trasparire quell’unità profonda dell’opera che il compositore ha così genialmente raggiunto. E non è un compito facile. Ricordo di aver diretto una produzione di Aida a Londra, dove un grande regista, di cui non faccio il nome, rese benissimo il contrasto di caratteri, ma scelse per la scena del trionfo soluzioni assai discutibili...
Abbiamo un grande regista cinematografico, come Ozpetek, con il quale l’intesa è stata immediata, abbiamo uno scenografo formidabile come Dante Ferretti, premio Oscar e uno dei più stretti collaboratori di Martin Scorsese in tanti capolavori, abbiamo un ottimo cast: ci sono tutte le premesse per fare bene. Quello che mi aspetto, dunque, è uno spettacolo che sappia rendere al meglio tanto le grandi scene di massa quanto il sottile gioco teatrale di Verdi nella parti più intimistiche, fondendo queste due “anime” di Aida in modo convincente, così da far trasparire quell’unità profonda dell’opera che il compositore ha così genialmente raggiunto. E non è un compito facile. Ricordo di aver diretto una produzione di Aida a Londra, dove un grande regista, di cui non faccio il nome, rese benissimo il contrasto di caratteri, ma scelse per la scena del trionfo soluzioni assai discutibili...
(L'intervista completa a Zubin Mehta, a cura di Franco Manfriani, è pubblicata sul programma di sala per Aida).
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